viernes, 10 de febrero de 2012

ANNIE HALL

Annie Hall (1977)
2 extraños amantes
Dirección: Woddy Allen                                            
Guion: Marshal Brickman - Woddy Allen 

Escrita y dirigida por el director norteamericano Woddy Allen, esta película obtuvo el máximo reconocimiento de la academia, -premio Oscar- el año 1977, además del premio al mejor director, guion y actriz. Considerada por muchos –yo por ejemplo-, la mejor comedia romántica en el cine. Antes de Annie Hall, no se consideraba a las comedias como posibles ganadoras de la estatuilla, salvo algunas excepciones (los caballeros las prefieren rubias por ejemplo).             
Annie Hall es una comedia romántica con claros reflejos autobiográficos del mismo Allen recordemos que por aquel entonces Diane Keaton (Annie Hall), era pareja de Allen. La película narra la relación de dos personas, a lo largo del ciclo amoroso: nacimiento, desarrollo y finalmente el ocaso: entre Alvie Singer  (alter ego del mismo Allen) un neoyorquino comediante de relativo prestigio y Annie Hall (Diane Keaton) de Wisconsin una aspirante a cantante, la relación entre ambos comienza con el enamoramiento que a lo largo de un año sigue el desamor y distanciamiento armado de manera no lineal la película nos muestra varios momentos en su relación; momentos simples que a primera impresión no cumplen mayor trascendencia, pero son esos mismos pequeños momentos los que hacen a una relación inolvidable. Con fragmentos de la niñez de Alvie Singer la película nos muestra a un Allen infante preocupado por la expansión del universo, con la ausencia de periodos latentes al estilo Freudiano explicando las razones de su personalidad inestable y nerviosa características que marcaran un estilo en los personajes de Allen posteriormente.                                          

               
Pero el film comienza con un delicioso monologo, en donde Allen habla a la cámara a manera de entrevista comentando acerca de su edad adulta, y citando al mítico Grouncho Marx (quien sería una de las principales influencias en Allen), al mismo tiempo explica su versión ante sus desastrosas relaciones (dos matrimonios) y el reciente rompimiento con Annie Hall.                                                                                                                                                                             
Annie Hall es una arriesgada película donde este director neoyorquino juega, se entretiene y nos deleita a costa de las “reglas” cinematográficas en primer lugar debido a la no linealidad temporal en la narracion, sino por el contrario la película se encuentra armada a modo de rompecabezas con diferentes momentos en la vida de Alvie Singer (Allen) a manera de flashbacks, además el personaje en reiteradas ocasiones conversa con la cámara es decir con el espectador a modo de intervención en relatos comparte sus emociones, y demás divagaciones, de esta forma rompe la relación entre el personaje y el espectador, al igual que un breve momento de animación donde se muestra a Alvie en compañía de la bruja de blanca nieves,  este director recurrió al uso de la doble pantalla que sirvió para apreciar diferentes momentos y lugares de distintos personajes, además de la intervención con tintes surrealistas de McLuhan en la cola del cine o el desprendimiento en plena copula entre el cuerpo y el alma de Keaton.

Pero lo más memorable es la doble narración, entre Alvie y Annie, por un breve momento es decir (en la versión doblada al español) se puede escuchar tanto la conversación como los pensamientos entre ambos, y en la versión subtitulada se puede leer los pensamiento de ambos mientras se los escucha hablar, esta secuencia arranca carcajadas al escuchar las diferencias abismales entre lo que se piensa y se dice.
 Annie Hall explora las paciones, temores, celos, obsesiones, fobias incluso las irracionalidades y locuras que forman parte en diferentes grados de cualquier relación amorosa.  Con la fotografía de Gordon Willis y la utilización de tomas largas, al igual que planos abiertos los cuales fueron montados con un ritmo lento más acorde al género drama que a la comedia que ayudaron mejor dramáticamente a esta bella película romántica. Sobre todo si se menciona la casi completa ausencia de una banda sonora, aunque no por eso insuficiente mucho más si recordamos el melancólico final lleno de flashbacks recordando tiempos pasados en la relación de Alvie y Annie como buenos momentos que ya no están, acompañados de la melodiosa voz de Diane Keaton interpretando “It Seems Like Old Times”
Este film marca un momento importante en la obra de Allen no solo por las referencias biográficas como ser su ascendencia judía o los años 70 en norteamericana sino porque a partir de Annie Hall la obra de Allen comienza a ser de tipo más reflexivo e introspectivo, sus anteriores películas como ser el Dormilón (1973), todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo (1972), Bananas (1971), entre otras, no presentaban estos rasgos sino por el contrario a pesar de ser muy hilarantes no invitaban a la reflexión ni exploraban las pasiones y fobias del ser humano, cosa que a partir de Annie hall es una característica sine qua non de este director.                                                                                                                                                
De la misma forma en que la película está repleta de referentes como ser Fellini o Bergman al igual de McLuhan, Freud, Lacan entre otros a partir de Annie Hall, Allen se convierte en un referente de la cultura contemporánea.
PUNTUACION
10/10








martes, 7 de febrero de 2012

Pulp Fiction


PULP FICTION (1994)
Direccion: Quentin Tarantino
Guion: Roger Avary - Quentin Tarantino
Fotografia: Andrej Sekula 
Existen ocasiones en las que el cine independiente incluso el cine de autor –no en este caso- sorprende tanto al espectador como a la crítica especializada, y no me refiero al hecho de ganar trofeos o estatuillas, sino al acto de sorprender con una buena película. El cinéfilo Tarantino logra sorprender con su primer largometraje Resorvoir Dogs o perros de reserva, este thriller violento deja boquiabiertos a todos; las dosis de sangre y violencia explicita nos tienen pegados a la pantalla, pero a diferencia de otras thrillers violentos, esta catarsis nos causa fascinación incluso una morbosa risa. Tarantino ya habría marcado su estilo a partir de su opera prima, el cual definiría la trayectoria de este director influyendo en muchos a lo largo de su carrera.
Aunque esto no significa que todo el trabajo de Tarantino sea digno de admiración, también se dieron alguna falacia, y para muchos en los cuales me incluyo su etapa más creativa ya paso. Películas como Death Proff nos encantaron,  Kill Bill, nos fascinaron (en sus dos versiones), Pulp Fiction (nos invitaban al delirio) junto a Resorvoir Dogs, o Jackie Brown su participación en la película Spirit o Sin City, también es valiosa e incluso recordable, pero Planeta del terror o Bastardos sin gloria ocupan un tema algo fastidioso de tratar.
Pulp Fiction considerada por mucho una de las mejores películas en la historia, una película que se debe ver antes de morir, pero Pulp Fiction significa un poco más, desde la trama, la violencia, toda la salsa de tomate a modo de sangre, las balas y el exquisito dialogo, nos refleja un sitio especial no solo en el cine sino en el arte en general, me refiero a la estética posmoderna y como tal no antagónica a ningún orden establecido.  De ahí el tinte pop en la película, a partir del vestuario, -el bello  corte de Mia- la música (tanto del sowndtrack de la película como del local Jack Rabbit Slims), las drogas, las hamburguesas, y la televisión.
No en vano el nombre de la película Pulp, el cual a modo de inicio se define como revista de contenido oscuro, barato, y no procesado o una masa no uniforme. De esta forma esta película llega como anillo al dedo, justo en el tiempo que debe ser justo en el momento que debe ocupar a modo de zapping las diferentes historias avanzan una junto a otra, sin que importe ni un poco el tiempo, comenzamos con una pareja de enamorados que planea asaltar el restaurante, ese momento con una 38 en la mano los dos tortolos apuntan a los comensales, gritando amenazas se da inicio a este film de culto.
Dividido en tres capítulos, la película tiene para todos los gustos, incluso una breve historia con tinte románticos entre Vincent Vega y la esposa de Marcelus. Hasta los momentos más gansteriles como ser el ajuste de cuentas y la recuperación del portafolio, y los momentos más hilarantes como el explosivo disparo en la cabeza de Marvin, salpicando el automóvil con partes de sesos. (a pesar de ser la mas visceral de las secuencias es también la que más risas causo). Es decir que de la manera más arbitraria y transgresora la película coquetea con una variedad de géneros, desde el thriller mas violento hasta el drama con tintes románticos, en una ensalada o mejor dicho una orgia de géneros, apoyados en un arriesgado montaje. Con las activaciones de Jhon travolta, Bruce Willis, Samuel Jackson, Umma Thurman, el mismo Tarantino, entre otros.
Los momentos más deliciosos; las historias entrelazadas, y los ácidos diálogos, grandes dosis de humor negro, el que más me gusto es a Travolta y Samuel Jackson conversando sobre las pequeñas y sutiles diferencias entre los Estados Unidos y Europa, como ser el nombre de los nombres de la  hamburguesa o la falta del sistema métrico decimal, es decir a partir de ahí –los primeros 10 minutos – las conversaciones emanan cinismo e intrascendencia. Otro sin duda es el twist entre Vincent y Mia, twist que les mereció el premio en el Jack Rabbit Slims pero también entre los mejores bailes del cine y sobre todo el merecido renacimiento de Travolta. Y es que Pulp Fiction es el resultado de maniacas horas y horas de cinefilia por parte del director, el resultado historias diferentes entre si, personajes diferentes, distintos estratos, aunque todos parte de la masa, parte de una clase subordinada algunos en mejor posición que otros, algunos  mas gansteriles que otros pero todos parte del submundo norteamericano. Además Tarantino también comparte su melomanía rasgo característico en todas sus películas, con un exquisito soundtrack que coopera dramáticamente con la historia.
Ya casi se cumplen dos décadas desde el estreno de la película sin duda es y seguirá siendo motivo de  largas conversaciones y no me refiero a charlas académicas de café, sino a las coloquiales charlas de cinefilia.
PUNTUACION
10/10













viernes, 3 de febrero de 2012

Premios Goya


MEJOR PELICULA DOCUMENTAL

NOMINADOS
Escuchando al Juez Garzon:
Direccion: Isabel Coixet
Documental dirigido por la reconocida Isabel Coixet en el cual se da una entrevista donde Manuel Rivas se dirige al polémico juez Baltasar Garzón, ahondando de manera profunda en aspectos tanto de su vida privada como en su trayectoria profesional.
EL CUADERNO DE BARRO
Dirección: Isaki Lacuesta
Documental que muestra y narra la performance que realiza el pintor Miquel Barceló, desde Africa, junto a Josef Nadj, en su obra llamada “paso doble”.
30 AÑOS DE OSCURIDAD
Dirección: Manuel Hidalgo Martín
Cuanta la historia de Manuel Cortez, ex alcalde que al final de la guerra civil española no consigue salir de la España de franco, su única salida de no morir a manos de la dictadura franquista es esconderse en un hueco de la pared, lugar donde debe esconderse a lo largo de 30 años, de cautiverio voluntario.
MORENTE
Dirección: Emilio Ruiz Barrachina
Documental que nos cuenta la historia del cantautor Enrique Morente, el cual junto a las melodías del flamenco nos narra su propia vida, su relación con el barbero Eugenio Arias y Pablo Picasso, de esta forma va armando y mostrando su música  y pensamiento.


 Que pelicula documental ganara???
- Escuchando al juez Garzon de Isabel Coixet o
- 30 años de oscuridad de Manuel Hidalgo Martin 


PREMIOS GOYA
Los premios Goya son los premios de mayor importancia y mayor fuerza mediática de España. Y como tal repercuten de manera significativa en todo el mundo de habla hispana. Serán entregados el 19 de febrero en el Palacio Municipal de Congresos - Campo de las Naciones de Madrid. Esta es la XXVI (26) edición de entrega. En las palabras de inauguración el presidente de la academia cinematográfica española González Macho recordó la situación económica por la que se encuentra atravesando España al igual que toda Europa, mencionando que a diferencia del año pasado esta premiación será más austera…
Los premios Goya marcan la pauta del cine Americano y por esa misma razón tienen una considerable importancia en todo este lado del mundo.
Las novedades son muchas desde al año pasado están presentes películas que fueron rodadas en suelo boliviano, tal es el caso de También la lluvia de Iciar Bollain (2010), y ahora Blackthorn de Mateo Gil (2011), además el esperado documental sobre el juez Baltazas Garzon y el documental de la cantante chilena Violeta Parra.     
                                                                                                                                                                                                                        
 A lo largo de las anteriores 25 entregas varias curiosidades se dieron en esta premiación tal es el caso de la manifestación contra la guerra de Irak apoyada por el entonces presidente Zapatero, las manifestaciones y slogans contra el grupo ETA, y las politizaciones que rodean la premiación.
Directores que tuvieron mucha repercusión en la premiación como ser; Alejandro Amenabar (14 premios), Pedro Almodovar  (6 premios); actores que tuvieron impacto internacional a partir de su interpretación pero también a partir de sus premiaciones, Luis Tosar, Javier Bardem, Antonio Banderas, Penélope Cruz entre otros.
Las historias mostradas y premiadas en los Goyas son variadas aunque si se da una tendencia, como ya se sabe España tiene ya una tradición respecto al cine de terror al igual que historias que giran alrededor de la guerra civil española. Aunque existen bizarras excepciones, desde el lado extremo como ser la piel que habito hasta dramas casi sinfónicos como ser mar adentro.
MEJOR PELICULA

NOMINADOS
LA VOZ DORMIDA:
Dirección: Benito Zambrano
Pelicula adaptada de la novela homónima que cuanta la historia de Pepita (María león-nominada a mejor actriz revelación) una joven migrante de Cordoba que llega hasta Madrid en la época de la post guerra civil española. Pepita intenta salvar la vida de su hermana (Inma Cuesta-nominada a mejor actriz) quien esta embarazada y condenada a muerte por la dictadura franquista.                                                                                                                              9 candidaturas.  Además junto a Pa negre y La piel que habito eran las pre nominadas al premio Oscar.
BLACKTHORN
Dirección: Mateo Gil                                                                                                
Segunda incursión como director del guionista Mateo Gil, cuanta la historia de Butch Cassidy 20 años después de su supuesta muerte, retirado de su profesión de ladrón de trenes y bancos Cassidy se encuentra en un apartado pueblo de Bolivia, allí junto a Eduardo Noriega, emprende su ultima travesía.
LA PIEL QUE HABITO
Dirección: Pedro Almodovar
Última película del aclamado director Pedro Almodovar, bastante premiada en este certamen, cuanta la actuación de Antonio Banderas y Elena Anaya.
BLACKTORN: Mateo Gil
NO HABRA PAZ PARA LOS MALVADOS
Dirección: Enrique Urbizu
Conocido por su mordaz forma de mostrar las falencias del ser humano y su entorno, de la mano del género policiaco Urbizu nos muestra la historia de un policía que busca encubrir un asesinato en formato triple, inmerso en las calles madrileñas, con ausencia de héroes al mejor estilo del cine negro donde el mismo personaje central es un antihéroe de su propia historia.
 
Que pelicula ganara???
- Blackthorn de Mateo Gil o
- No habrá paz para los malvados de Enrique Urbizu