EL SUEÑO EN EL CINE

Monstruos oníricos, sueños lucidos, sueño REM y demás conceptos han sido abordados por varias películas, y es que el mundo del sueño es un ambiente casi desconocido y por lo tanto susceptible a todo tipo de interpretación. El cine mismo, como lo menciona el teórico, Juan A. Hernández, es “un sueño que se sueña despierto” con todos los elementos que este tiene: el argumento, los planos, los personajes el compromiso del realizador y por lo tanto el mensaje del mismo.

En las siguientes líneas haremos un -breve- recorrido por algunas películas que abordaron el sueño desde las más variadas perspectivas.

Requiem For a Dream (2000)

Dirección: Darren Aronofsky

Cuarta película de Arronofsky en la cual no solo refuerza sino que también termina de delinear la estética que este director seguirá a lo largo de todas sus películas,

Cruda caída en picada de la condición humana, empujado -y apoyado- por placebos que convierten la vida en algo capaz de ser soportado. Desde la televisión a la heroína, pasando por otros variopintos objetos a ser “consumidos” Requiem for a Dream, hace un serio recorrido a la sociedad de consumo, los medios de comunicación, la familia y el american dream.

Dotado de un hiperrealismo y un montaje de videoclip, Arronosfky arremete a las entrañas mismas del sueño americano, Si bien el sueño no es abordado desde su concepto onírico, sino más bien, a partir del sueño –aspiración, idea de “superación”- que cada uno tiene, Réquiem For a Dream es la primera película en nuestra lista.

Vals Con Bashir (2009)

Dirección: Ari Folman

Delirante película animada, Vals con Bashir reafirma la idea de que la animación es un arte mas serio que el destinado a la simple distracción, A través de sueños recurrentes y de manera poética Ari Folman nos da un recorrido por la guerra del Libano, con personajes, lugares y eventos reales esta película se acerca mas al documental que a la animación-drama.

Poniendo a un lado cualquier juicio de tipo moral Folman, nos sitúa en el momento y lugar mas serio del conflicto bélico, con entrevistas y sueños somos parte de la guerra. 

Sin duda  Vals con Bashir significa estéticamente un punto culminante en la animación, pero también en el cine mismo al representar la unión entre el cine, la animación y el documental, Un delirante sueño visual.

Waking Life (Despertar a la Vida) (2001)

Dirección: Richard Linklater

Una de mis películas favoritas, quizás a ella le debo el gusto –casi maniático-que tengo por el séptimo arte, de inquieto y denso contenido, elemento reforzado por la técnica animada que tiene, la rotoscopia y la imagen puramente digital. Demasiado experimental para algunos, quizás en desacuerdo con las múltiples discusiones filosóficas que plantea esta película.

Respecto al argumento quizás, todo pueda ser sintetizado remitiéndonos al filósofo Santayana al decir que “la cordura es una locura que se usa para el bien…” El permanente estado de sueño lucido, donde el libre albedrio, el existencialismo, el evolucionismo, la creación, la ciencia, la acción directa el posmodernismo y la literatura tienen su lugar.

Un verdadero sueño visual en el cual como en cualquier sueño solo puedes aceptar o rechazar lo que sucede una vez despierto, Walking Life es un sueño para ser recordado y a la vez recurrente.

El discreto encanto de la burguesía (1972)

Dirección: Luis Buñuel

Película merecedora del (primero y único) Oscar a Luis Buñuel, sobria y seria reflexión acerca del paralelismo entre el sueño y la realidad, su delgada línea divisoria y sus personajes. Dotado de un recurrente elenco, Buñuel pone bajo lupa a la clase burguesa, sus hobbies, su glamour, sus modales y etiqueta, pero también sus taras, sus penurias y todos los elementos que la convierten de por si en una clase decadente.

Un surtido de sueños como reflejos de los mas oscuros y delirantes deseos, donde la cena (motivo de la reunión) nunca llega a ser digerida, eso si, todo lo demás tiene su lugar incluyendo la comedia clerical, y teatral.

The Good Night (Dulces Sueños) (2007)

Direction: Jake Paltrow

Opera prima de jake Paltrow (hermano de Gwyneth), el cual después de dirigir algunas series de televisión (Bog Bang Theory  por ejemplo) se lanza a realizar una película de tipo drama-comedia, bastante bueno el resultado, reuniendo a un gran elenco, soberbia y exquisita la interpretación de Dani deVitto como excéntrico instructor de sueño lucido.

La película en un tono de fina y glamorosa comedia nos da un recorrido por los sueños de un músico –semi- frustrado, donde las olas del mar, la música de piano y algunas delicias eróticas tienen lugar.

Inception (2010)

Dirección: Cristopher Nolan

Es esta quizás la película mas comercial y por lo tanto mediática de la lista, Inception aborda al sueño de forma mas liviana, sobre todo si la comparamos con las demás películas, no por ello el viaje onírico deja de ser atractivo, todo lo contrario, como blockbusters, dotado de impresionantes efectos, este trabajo de Nolan nos dejo boquiabiertos. Muchas balas, muchas explosiones, el sueño onírico es abordado en esta película a partir de la capacidad que existe por “viajar” en los sueños de otros, de esta forma poder robar e implantar una idea.

Párrafo aparte merece la interpretación de Di Caprio bastante alejado del personaje carilindo, el cual debe llevar a cuestas, pero a la vez mas cercano a su nuevo personaje tipo, ya sea policía, padre de familia, arquitecto o topo –léase infiltrado-, un ser en apariencia muy humano pero con un perfil psicológico muy complejo, con fobias y manías capaz de ser encerrado en Shuter Island, o en por siempre en un sueño.

ULTIMO TRIMESTRE DEL AÑO, PELÍCULAS ESPERADAS

Entramos al ultimo trimestre de este año, las películas que se pudieron apreciar (en cartelera o DVD´s piratas), fueron relativamente variadas. Por ejemplo en Bolivia pudimos asistir a los cines para ver; The Dark Knight Rises (El caballero de la noche asciende) de Cristopher Nolan, también Un cuento chino de Sebastián Borensztein, Prometheus de Ridley Scott, el nuevo aliento de The amazing Spiderman, los Juegos del hambre; la esplendida los Descendientes; My week whith Marilyn; J Edgar por citar algunos. Me reservo los títulos tales como el último pastiche de American Pie, o Battleship, films que nunca faltan en las salas comerciales. Otros por el contrario parecen no dar señal alguna de ser puestos en cartelera, lamentablemente tendré -mos- que reservar las ganas para verlos en DVD y en el hogar.

Me refiero a películas como: Elefante Blanco de Trapero; Shame de Steve McQueen; Albert Nobbs de Rodrigo García; Monrisse Kingdom de Wes Anderson (se me rompe el corazón al saber que quizás no llegue ni en DVD), la ultima de Cronenberg con el baby vampiro Cosmopolis; la exquisita película chilena Bonsái; entre otras.

Hago especial hincapié en las películas que espero con mayor expectativa este año (uno por estrenarse y la otra ya lo hizo en EUA), me refiero a: The Master de Paul Thomas Anderson y Gravity de Cuaron.

The Master

Las expectativas para este film son altas –por no decir altísimas-, en primer lugar por el respeto que siento hacia Paul Thomas Anderson, según yo, el director gringo actualmente mas interesante que existe, dos de sus anteriores trabajos se encuentran entre mis películas favoritas -Magnolia (1999)  y There Be Blood (2007), al igual que sus trabajos junto a Fiona Apple como director de videos musicales. Por otro lado la interpretación de Philip Seymour Hoffman y Joaquin Phoenix, mas el plus, como ser Leon de Plata que gano Thomas Anderson en el festival de Venecia por The Master, estos elementos no hacen otra cosa que sazonar y aumentar mi apetito por esta película.

Gravity

La ultima película del director mexicano Alfonso Cuaron. De por si causa gran expectativa saber que este director tiene una nueva oferta en cuanto a película, ya nos había dejado asombrado antes con films como ser: Y tu mama también (2001); y como productor del Laberinto del fauno (2006).Ahora se presenta con la película de ciencia ficción: Gravity. Sobre la película se ha mencionado mucho como ser el uso de efectos especiales y computarizados. Si bien Cuaron ya había realizado películas con altos presupuestos y uso de efectos como en Harry Potter y el prisionero de Azkaban (2004),  ahora las pretensiones alrededor del film son diferentes, ya que no se trata de una película de tipo fantasía teenagers. Espero no se trate solo de una película con alto presupuesto y enormes alardes tecnológicos -blockbusters- sino un film con un adecuado equilibrio en cuanto a la historia y el uso de tales efectos, en alguna pagina de internet se mencionaba que esta película dejaría a Avatar (James Cameron; 2009) como un film de la anterior centuria.

Otras películas que van creando un aura de -sobre- expectativas es el thriller: KIlling Them Softly de Andrew Dominik y ya se oye hablar de: la española Blancanieves de Pablo Berger un film bastante sobrio y austero, mudo y en blanco y negro.

KIlling Them Softly

Blancanieves

Espero no llegar a fin de año y no poder ver ninguna de estas películas, al menos una de ellas, ojala, lleguen algún cine local.

PELÍCULAS QUE HACEN QUE LA VIDA VALGA LA PENA

Manhattan (1979) Woody Allen

Esplendida película, en un sobrio y perfectamente dominado blanco y negro, como no siendo el fotógrafo Gordon Willis, con arriesgados planos abiertos dando mayor fuerza dramática a la historia. Una Diane Keaton en estado de gracia, diferente a sus anteriores interpretaciones, junto a ingeniosos diálogos frágiles, indecisos, - y sobre todo exquisitos- obnubilaciones de todos los personajes.

EL SECRETO DE SUS OJOS

El secreto de sus ojos (2009)

Dirección: Juan José Campanella

Sobre el trabajo de Campanella no sabía casi nada solo que había participado en algunas temporadas de la conocida serie de televisión Doctor House, aquello fue suficiente para sentir indiferencia frente a esta película. Al saber que fue ganadora del Oscar a mejor película extranjera aumento un poco más ese sentimiento, pero al verla la reacción fue diferente, sin ninguna duda se puede afirmar que el secreto de sus ojos es una exquisita película, digna de ser recordada y seguro que lo será.

Película que se puede catalogar dentro del genero policial pero también romántico e incluso –por breves momentos- de humor negro, con las actuaciones de Ricardo Darin y Soledad Villamil el secreto de sus ojos es una película redonda y concisa en cuanto a la historia se refiere. La historia trata acerca de Benjamín un empleado jubilado, que antes trabajaba en el juzgado de Buenos Aires, al encontrarse en una etapa de transición decide escribir una novela, basada en un hecho real en la cual el estuvo en cierto grado involucrado, un hecho de más de 30 años: un salvaje asesinato. De esta forma la historia se va desarrollando, retornando a su memoria y a un hecho de crimen pero también a una historia de amor y es que Benjamín estuvo a lo largo de esos 30 años enamorado en secreto de su colega de trabajo.

La película se ambienta en los años 2000, pero el asesinato al cual Benjamín vuelve en sus recuerdos para escribir la novela se data de 1975, recordemos que en toda Latinoamérica, los años 70 tuvieron un común denominador: la dictadura militar, desde Chile hasta Centroamérica el continente atravesó una dolorosa década llena de desapariciones, torturas, golpes de Estado, violaciones a los derechos humanos, y cientos de cosas. En Argentina –lugar en el cual se desarrolla la película-, la situación no fue la excepción.

Rápidamente uno es absorbido por la historia, sin que el montaje atemporal sea un obstáculo en la historia, todo lo contrario los recuerdos y el momento presente en la película refuerzan perfectamente el trama, en los primeros 30 minutos uno ya está inmerso en los dos momentos en los que se mueve la historia.

De esta forma El secreto de sus ojos no solo logra ser una bella película, sino que además se convierte en imprescindible, al no dejar de lado un hecho tan importante pero a la vez doloroso en la historia de Argentina y toda Latinoamérica. Y es que el secreto de sus ojos no cae en el melodrama -el cual  nos tienen muy acostumbrados varias películas latinoamericanas el momento de tocar este tema-, sino que aborda la impunidad con la que se movían verdaderos asesinos (criminales que podrían dejar avergonzados a  cualquier matón de cine hollywoodense), de manera magistral.

De la misma forma Campanella en esta película muestra escenas conmovedoras como las secuencias en la estación del tren; pero también escenas fuertes y viscerales, sin caer en la pornomiseria o la banalización de la violencia –como otras películas-, me refiero a la escena de la violación., el asesinato del amigo de Benjamín y el juicio al acecino. La película esta armada a modo de rompecabezas, uniendo en presente con flashbacks, solo sujetándose entre sí por la historia del asesinato y la historia de amor de Benjamín.

Técnicamente el secreto de sus ojos, logra hacer un exquisito equilibrio entre una historia romántica y una trágica, sin que una opaque o absorba a otra. La fotografía al igual que el sonido estuvieron muy cuidados uno cree que al ser Campanella el director de esta película –y también de la serie Doctor House- se encontraría con planos fijos, abiertos, sobrios, fríos y aburridos, pero todo lo contrario manteniendo la estética -visual- del cine Latinoamericano, los planos fueron dinámicos, en movimiento, granulados, por algunos momentos con saturaciones rojizas, en pocas palabras bellas imágenes. Y es que además la historia es de sensible profundidad aborda temas tales como los recuerdos, la justicia, el amor, la amistad;  pero sobre todo de los momentos que ya no son como eran, momentos que nunca serán, en una bella analogía se ve a Benjamín dejando escapar el tren de su vida.

Concuerdo con lo dicho por Liliana Sáenz, al comparar a Campanella y al secreto de sus ojos con la sensación de subirse a un montaña rusa, primero conocemos a los personajes entonces estamos subiendo estamos llevando la historia a cuestas, luego somos atrapados por ella, estamos en medio de la historia y no queremos salir de ella, para después caer en picada sobre Buenos Aires, al igual que lo haría una polilla atraída por las luces del estadio de futbol, caer rápidamente hasta detenernos unos centímetros del suelo y terminar en un majestuoso plano medio - secuencia al lado del protagonista.

Sin duda el secreto de sus ojos será una película para recordar, contagiados del zigzagueo entre dos momentos uno presente otro pasado, el secreto de sus ojos es una bella película hoy y también lo será mañana.

Puntuación:

8/10

SHORTBUS

Shortbus (2006) (tu última parada)

Shortbus es la segunda película del director norteamericano John Cameron Mitchell que después de su opera prima (Hedwing and the Angry Inch; 2001), quería realizar un filme de mayor calidad técnica y estética en el cual el sexo tuviera un lugar importante. Shortbus fue rodada durante dos años y fue seleccionada y presentada en el festival de Cannes el 2006. Pero primero hablemos del argumento de la película, luego les daremos a conocer nuestras apreciaciones y comentarios

De que trata

Shortbus es una película sobre personas que viven en la ciudad de Nueva York, en los estados Unidos, un personaje de la película dice que “…Nueva York es una ciudad a la que todos acuden para tener sexo y ser perdonados”. Pero los personajes son varios, comencemos por una joven pareja homosexual integrada por James y Jamie el primero fue estrella de cine durante su niñez y el segundo es un cineasta deprimido; ambos tienen un conflicto de pareja, también esta Sofía una mujer casada que es terapeuta “sexual” o como ella prefiere llamarse “terapeuta de pareja” que nunca tuvo un orgasmo, otra personaje es Severin una dominatris de aspecto bizarro –con comportamientos y un modo de vestir diferente a lo socialmente establecido,  Todo el grupo  acude a Shortbus un local neoyorquino, diferente a todos los demás, porque allá el sexo, la cultura alternativa  y las personas “despiertas y atrevidas” tienen su lugar. Pero también es un sitio con pretensiones snobicas (que imita un comportamiento) y glamorosas (por ejemplo en la película el primer día en el que Sofía llega a Shortbus el anfitrión le explica).

La clientela de Shortbus tiene intereses de una surtida variedad. Por ejemplo James y Jamie buscan ahí al tercero en su relación monogamica,  Por este motivo ellos visitan a Sofía (la terapeuta de pareja o “sexual”) tratando de encontrar ayuda para resolver sus problemas. Ellos al mismo tiempo aconsejan a Sofía ir a Shortbus para desinhibirse

Shortbus termina siendo el lugar donde los personajes  resuelven sus conflictos mediante el sexo como terapia. Entonces el sexo no es el fin sino el medio -o terapia- para enfrentar los problemas. El sexo se presenta como medicina liberadora.

La historia se desarrolla en un momento posterior a los sucesos del 11 de septiembre (recordaran las torres gemelas en New York). Como lo menciona un personaje de la película: El 11 de septiembre es –quizás- lo único real que les a pasado en la vida.

Pero cuál es la razón para hablar hoy sobre esta película Shortbus, -sin duda- no es una de las mejores películas que he visto y tampoco uno de los mejores trabajos de su director; Cameron Mitchell que en general es demasiado autoindulgente no, logra hacer una obra perfecta. La razón es la reciente controversia -sobreexplotada- de la película boliviana: “Maleficarum” de John Ávila. Su supuesta “censura” en la Cinemateca Boliviana fue tema de conversación por varias semanas. El catalizador de esto fue el lenguaje explicito de sus imágenes (las que por cierto no existen). Ante esto Ávila respondió “…Shortbus tiene un lenguaje mucho mas explicito y no fue censurado…”. Esta es la razón por la que hablamos hoy Shortbus y de su lenguaje visual y dramático:

En Shortbus Cameron Mitchell hace una  reflexión acerca del lugar que ocupan el sexo y el placer en estos tiempos y  en el mundo occidental. Shortbus muestra que la frecuencia o la abundancia de relaciones sexuales no es una garantía para garantizar el placer entre quienes lo practican. Las emociones humanas, tal como lo menciona el mismo Mitchell, tienen una profunda relación con el sexo. Entender al sexo de manera separada de las emociones es casi una característica en las sociedades del occidente, donde “el placer es vivido como un vacio imprescindible”. Shortbus no es solo el lugar donde se reúnen las personas atrevidas sino también un retrato de la glamorosa cultura neoyorquina. Recordemos la secuencia en la que Sofía llega por primera vez a Shortbus, ahí es recibida por un cantante que a modo de anfitrión le enseña el lugar mientras le menciona lo que ahí se hace; ese día se proyecta una película que como el mismo anfitrión la define “aburrida” luego afirma que “mientras más aburridas son –las películas- mas “inteligente” se cree la gente…”

Manteniendo la línea de su primera película,  (Hedwing and the Angry Inch; 2001), Mitchell toma posición en un lugar critico frente a cultura norteamericana, no a partir de su política sino a partir de sus relaciones y sentimientos, las que terminan influyendo en la política. El mismo afirma que “en la cultura estadounidense, el miedo a cualquier relación lleva a la infelicidad, a la violencia y al conflicto”. Sin embargo dudo que esta posición cumpla su cometido ya que en Shortbus al igual que en sus otras dos películas, Mitchel coquetea con lo subversivo valiéndose de lo explicito en las imágenes, y sobre todo de tópicos culturales. Un bueno, un malo, o mejor dicho muchos buenos, una insatisfecha, un incomprendido, o muchos incomprendidos; una oscura, aunque buena personaje capaz de resolver los problemas. Es decir una serie de personajes –freaks- bastante estereotipados.

Shortbus es una película fiel a su tiempo, primero por la tendencia al cine indie (genero de cine independiente que tiene abundante banda sonora con la intención de enfatizar el estado de ánimo de los personajes; los temas tratados son los conflictos de una juventud norteamericana inconforme), pero sobre todo por el collage de personajes, bastante influenciado por el llamado cine posmoderno (parodia sustituida por el pastiche; Pulp Fiction es quizás el mejor ejemplo) (Caracterizado por el puzzle de historias entrelazadas

Sin embargo Shortbus no deja de ser una película norteamericana interesante, primero porque no sigue la fórmula del cine gringo: chico conoce chica, chica se enamora… sino mas bien –y he ahí su característica posmoderna- las historias en el cine de Cameron Mitchell se arman a modo de rompecabezas donde varias historias o solo una (como en su opera prima) están narradas con una complejidad argumental, algo pretenciosa al intentar retratar el estado del sexo en el siglo XXI –cosa que no logra-.

Shortbus, sobre todo por el trabajo de Cameron Mitchell es una interesante película comenzando por la dirección de actores, la puesta en escena pero sobre todo por el ritmo que mantiene toda la película, la dinámica en la narración –que en ningún momento se hace tediosa ni aburrida- se dice que el rodaje y la posproducción de la película duraron dos años, que valieron la pena si algo he de recordar de esta película es el inicio  en el que se muestra a la ciudad de Nueva York en animación como una maqueta y el vigoroso final en el cual toda la ciudad -maqueta- se apaga y se enciende repentinamente porque Sofía (personaje principal) tiene un orgasmo que contagia a toda la ciudad encendiéndola. Creo que finalmente me quedo con la recomendación de Bronte al decir que Shortbus es una película recomendada para contorsionistas.

A modo de pos data la película la puedes encontrar en el en Quinto Centenario, también en la Calle Comercio esquina plaza Murillo, o comunicándote con nosotros que te pasaremos nuestra copia pirata.

Puntuacion:

6/10

BIRD

BIRD (1988)

En el cine existen varias películas que trataron sobre música, retratando cantantes –reales y ficticios-, u otros artistas, en todos los géneros, rock, pop, clásica, folclórica, etc., recordemos la reciente película sobre Violeta Parra, o sobre Edith Piaf, Kurt Cobain, Amadeus, Farinelli, Szpilman entre otros. Hoy recordamos una película sobre un musico, de tipo biopic: Bird de Clint Eastwood.
Si a Norteamérica se le puede atribuir ser el lugar de origen y nacimiento de algo esto sin duda es el blues, el jazz, el cine western, el rock and roll, etc. Esto se lo menciona por la curiosa unión que hubo entre dos de estos elementos: en primer lugar Clint Eastwood (actor fetiche del cine western); y el jazz. 

Pero vamos por partes Bird es una película norteamericana del tipo biopic, que trata sobre uno de los máximos exponentes del jazz: Charlie Parker. La película fue dirigida por un amante de esta música Clint Eastwood, quien toca el piano, canta y tiene algunas composiciones en su haber. Eastwood quienes no lo recuerden es actor, director, músico y productor. Como director es considerado el último clásico del cine, merecedor de varios premios, en los cuales se puede incluir un par de oscares, un homenaje en el festival de Cannes, entre otros reconocimientos. Atrás quedaron sus papeles como actor en el lejano oeste, Eastwood lleva más de 30 años dirigiendo películas, muchas de ellas consideradas obras del cine. Es ahí donde podemos poner a Bird. Bird es el apodo que tenia Charlie Parker, importante saxofonista, hay quienes lo consideran el mejor músico de jazz. Sin embargo Parker era una mezcla entre genialidad y conflicto ya que en su vida las composiciones con altas pretensiones artísticas iban de la mano a sus adicciones. 

Eastwood quien es un melómano confeso pero además un ferviente admirador de Charlie Parker, emprendió la tarea de hacer una biografía fiel a su ídolo, con una meticulosa recolección de datos Eastwood iba reuniendo testimonios de primera mano para ir armando la película, entrevistando a la viuda de Parker, amigos, colegas y admiradores. De esta forma es que se logro armar Bird.

La película retrata los últimos años de vida de este músico, sus oscilaciones como músico, y su adicción a las drogas y al alcohol. Sin embargo Bird no es una película “de” jazz o “sobre” jazz, bird es puro jazz, comencemos por el arriesgado guion que en los primeros minutos parece exhibir el contenido general y el trama de toda la película. Charlie Parker en una calamitosa etapa -final- de su vida, su adicción a la heroína lo ha llevado a entrar y salir de hospitales psiquiátricos. En ese momento la película hace un inteligente giro en el argumento y mediante flash backs (imágenes, secuencias del pasado), recordamos años gloriosos del músico, somos testigos del proceso de enamoramiento de Parker, y a la vez nos vamos encantando y conmoviendo con él. Con la magistral participación de Forest Whitaker interpretando al músico, tanto en sus mejores tiempos como en los finales. Actuación que le izo merecedor del premio a mejor actor en el festival de Cannes. 

La participación de Whitaker, mucho actor, en la película es un tema aparte, desde su incorporación siendo aun un actor desconocido Eastwood lo selecciono por las características y físicas y pasionales que este actor tiene. Cosa que el film de Eastwood supo mostrar, todo aquello, con creces. Regularmente se corre el riesgo en el momento de realizar un cine biopic de hacer una caricatura del personaje, no plasmándolo bien, y he ahí la clave, atrincherarse en algún bando ya sea para mostrar a un personaje desde la gloria o desde la infamia, es decir plasmar al personaje a partir de sus defectos o de sus cualidades, pocos son los que lograron hacer un equilibrio de tipo trapecista entre ambos bandos, sacando resultados admirables, Amadews película de Milos Forman, es un claro ejemplo de un perfecto equilibrio a la hora de retratar a un personaje real, Capote película con la actuación de Philip Seymour Hoffman, es otro ejemplo, las biopics de Charles Ray, Ion Curtis son otros, sin embargo otros realizadores con la intención de glorificar a un determinado personaje real terminan como ya se dijo haciendo una caricatura del mismo, tal es el caso del Kurt Cobain de Gus Van Sant, el Morrison de Oliver Stone, y así hay varios ejemplos. 

Bird no se sitúa en ninguna posición ya sea a favor o en contra de Parker, es decir no se atrinchera con la intención de mostrar ni a un genio de la música –aunque si lo era-, ni de mostrar a un adicto y maniático músico autodestructivo –cosa que también lo era-, sino por el contrario y ahí reside según algunos la debilidad del film, aunque para mí es un logro el plasmar a Parker en una película biopic como un personaje demasiado humano. He ahí la grandeza de esta gran película.

Puntuación:

8/10

TRAINSPOTTING

TRAINSPOTTING (1996)

Direccion: Danny Boyle 

 “ Escoge una vida, escoge un futuro, escoge un trabajo, escoge una carrera, escoge una familia, escoge una jodida pantalla de televisión, escoge un lavaplatos, un coche, un reproductor de música… escoge la buena salud y un colesterol bajo, escoge una hipoteca a plazo fijo, escoge a tus amigos, escoge comenzar un hogar, escoge un traje de tres piezas comprado a cuotas y pregúntate a ti mismo quién coño eres un domingo por la mañana, escoge estar sentado en el sofá viendo programas de televisión idiotizantes mientras te hartas de comida basura, escoge podrirte en una vida miserable y llena de vergüenza viendo crecer a esos malcriados que has creado para reemplazarte… escoge un futuro, una vida… ¿Porqué querría yo hacer algo así?... Yo escojo no escoger la vida, yo escoge algo diferente…” Este es el relato en off de los primeros 2 minutos de una de las mejores películas inglesas: Trainspoting, de Danny Boyd, considerada una de las 10 mejores películas del Reino Unido, hoy vamos a desempolvar un poco esta película de los noventa, en su estreno alguien la llamo “la naranja mecaniza de los 90’”, esta referencia nos indica la relación, o semejanza con la naranja mecaniza de Kubrick, claro está ambas películas son diferentes, en tiempo, estructura, genero y demas pero ambas causaron cierta polémica el momento de su estreno, ambas fueon consideradas con los años películas de culto, y ambas retratan un lado denso y pocas veces sugerible mundo. 

Sería injusto no mencionar además la exquisita banda sonora de la película llena de scores de lo mas surtido en cuanto a exigencias, desde Iggi Pop, Lou Reed, Pulp, Elastica, Underworld entre otros. 

Transnpotting de Danny Boyle es la adaptación a una novela inglesa del mismo nombre, tal como lo relata Irving Welsh -autor-, la historia se desarrolla en Edimburgo, el lugar que nuestros padres nunca hubieran soñado para nosotros…, conocida como la ciudad del sida, la heroína, el paro y la delincuencia europea. Esta ciudad esta lejos de formar parte de una tarjeta que promocione la belleza europea. 

La película al igual que la novela y de manera fiel trata sobre un grupo de jóvenes escoceses, apartados de toda racionalidad adulta intentando mantenerse siempre en la acera opuesta al tedio, la rutina, el trabajo y demas cliches de la buena conducta. Y cual es la finalidad de escoger un futuro o la vida misma cuando se tiene la heroína, el alcohol y demas ingredientes que nos apartan o al menos fingen hacerlo. De esta forma y perfectamente retratados los integrantes de este grupo encabezado por Marc Renton (Ewan Mc Gregor), estos son el reflejo de una generación –en apariencia- transgresora del sistema hacia la cual no sienten ninguna simpatía ni se sienten identificados ni parte de ella. Si el sistema –el estado- existe eso está muy lejos, ellos no son parte de ello. De esta forma Marc Renton se convierte en un (anti)héroe de nuestro tiempo, o al menos de los años 90, un reflejo y un héroe de la llamada generación X. Este personaje y sus amigos, (3 adictos a la heroína, uno al sexo y el ultimo al alcohol y las peleas), desarrollan su cruzada en un ambiente frio, húmedo, y triste, en una Europa víctima del paro y el sistema, quienes vieron la película recordaran la bellísima secuencia casi surrealista en la que Marc Renton se introduce al inodoro en busca de un remedio a su adicción a la heroína, metafóricamente el personaje nada en un océano y de esta forma se introduce en un mundo fuera de las drogas pero como tal, fuera del sueño en el que antes se encontraba, es decir desde ese momento se da cuenta de lo que le rodea un mundo en el que no quieres estar. 

Casi de forma imperceptible, pero si fuerte la película de Boyle retrata una Europa de atrás, una Europa de sombras, que no está en las películas, ni los cuadros o fotos de las embajadas, ni guías turísticas, sino una Europa con problemas que emana intolerancia, y tolerancia al mismo tiempo, recordemos que en la película cuando Marc Renton es arrestado el juez ordena enfrentar su adicción a la heroína con placebos, y otras drogas –menos fuertes-, las cuales eran suministradas por el mismo estado, de la misma forma las referencias en cuanto a la intolerancia a los migrantes, sobre todo el momento de culparlos por los problemas, pero también retrata la situación y el sentimiento de los jóvenes escoceses ante Inglaterra, en una relación de colon colonizado. 

De forma directa tanto la novela como la adaptación de Dany Boyle, muestran el bifurcado camino frente al cual nos encontramos, la utilización de placebos los cuales nos darían una vida menos dolorosa o formar parte de la masa, con un empleo, una hipoteca, hijos, una lavadora, comprando, comprando…, comiendo hamburguesas, con problemas de colesterol y de deudas. Y que mejor momento para recordar esta película, cuando la Europa desarrollada se enfrenta a una de sus más grandes problemas, cuando Edimburgo se convierte en Grecia, y está en todos los demás.

Puntuación: 

10/10