SHORTBUS

Shortbus (2006) (tu última parada)

Shortbus es la segunda película del director norteamericano John Cameron Mitchell que después de su opera prima (Hedwing and the Angry Inch; 2001), quería realizar un filme de mayor calidad técnica y estética en el cual el sexo tuviera un lugar importante. Shortbus fue rodada durante dos años y fue seleccionada y presentada en el festival de Cannes el 2006. Pero primero hablemos del argumento de la película, luego les daremos a conocer nuestras apreciaciones y comentarios

De que trata

Shortbus es una película sobre personas que viven en la ciudad de Nueva York, en los estados Unidos, un personaje de la película dice que “…Nueva York es una ciudad a la que todos acuden para tener sexo y ser perdonados”. Pero los personajes son varios, comencemos por una joven pareja homosexual integrada por James y Jamie el primero fue estrella de cine durante su niñez y el segundo es un cineasta deprimido; ambos tienen un conflicto de pareja, también esta Sofía una mujer casada que es terapeuta “sexual” o como ella prefiere llamarse “terapeuta de pareja” que nunca tuvo un orgasmo, otra personaje es Severin una dominatris de aspecto bizarro –con comportamientos y un modo de vestir diferente a lo socialmente establecido,  Todo el grupo  acude a Shortbus un local neoyorquino, diferente a todos los demás, porque allá el sexo, la cultura alternativa  y las personas “despiertas y atrevidas” tienen su lugar. Pero también es un sitio con pretensiones snobicas (que imita un comportamiento) y glamorosas (por ejemplo en la película el primer día en el que Sofía llega a Shortbus el anfitrión le explica).

La clientela de Shortbus tiene intereses de una surtida variedad. Por ejemplo James y Jamie buscan ahí al tercero en su relación monogamica,  Por este motivo ellos visitan a Sofía (la terapeuta de pareja o “sexual”) tratando de encontrar ayuda para resolver sus problemas. Ellos al mismo tiempo aconsejan a Sofía ir a Shortbus para desinhibirse

Shortbus termina siendo el lugar donde los personajes  resuelven sus conflictos mediante el sexo como terapia. Entonces el sexo no es el fin sino el medio -o terapia- para enfrentar los problemas. El sexo se presenta como medicina liberadora.

La historia se desarrolla en un momento posterior a los sucesos del 11 de septiembre (recordaran las torres gemelas en New York). Como lo menciona un personaje de la película: El 11 de septiembre es –quizás- lo único real que les a pasado en la vida.

Pero cuál es la razón para hablar hoy sobre esta película Shortbus, -sin duda- no es una de las mejores películas que he visto y tampoco uno de los mejores trabajos de su director; Cameron Mitchell que en general es demasiado autoindulgente no, logra hacer una obra perfecta. La razón es la reciente controversia -sobreexplotada- de la película boliviana: “Maleficarum” de John Ávila. Su supuesta “censura” en la Cinemateca Boliviana fue tema de conversación por varias semanas. El catalizador de esto fue el lenguaje explicito de sus imágenes (las que por cierto no existen). Ante esto Ávila respondió “…Shortbus tiene un lenguaje mucho mas explicito y no fue censurado…”. Esta es la razón por la que hablamos hoy Shortbus y de su lenguaje visual y dramático:

En Shortbus Cameron Mitchell hace una  reflexión acerca del lugar que ocupan el sexo y el placer en estos tiempos y  en el mundo occidental. Shortbus muestra que la frecuencia o la abundancia de relaciones sexuales no es una garantía para garantizar el placer entre quienes lo practican. Las emociones humanas, tal como lo menciona el mismo Mitchell, tienen una profunda relación con el sexo. Entender al sexo de manera separada de las emociones es casi una característica en las sociedades del occidente, donde “el placer es vivido como un vacio imprescindible”. Shortbus no es solo el lugar donde se reúnen las personas atrevidas sino también un retrato de la glamorosa cultura neoyorquina. Recordemos la secuencia en la que Sofía llega por primera vez a Shortbus, ahí es recibida por un cantante que a modo de anfitrión le enseña el lugar mientras le menciona lo que ahí se hace; ese día se proyecta una película que como el mismo anfitrión la define “aburrida” luego afirma que “mientras más aburridas son –las películas- mas “inteligente” se cree la gente…”

Manteniendo la línea de su primera película,  (Hedwing and the Angry Inch; 2001), Mitchell toma posición en un lugar critico frente a cultura norteamericana, no a partir de su política sino a partir de sus relaciones y sentimientos, las que terminan influyendo en la política. El mismo afirma que “en la cultura estadounidense, el miedo a cualquier relación lleva a la infelicidad, a la violencia y al conflicto”. Sin embargo dudo que esta posición cumpla su cometido ya que en Shortbus al igual que en sus otras dos películas, Mitchel coquetea con lo subversivo valiéndose de lo explicito en las imágenes, y sobre todo de tópicos culturales. Un bueno, un malo, o mejor dicho muchos buenos, una insatisfecha, un incomprendido, o muchos incomprendidos; una oscura, aunque buena personaje capaz de resolver los problemas. Es decir una serie de personajes –freaks- bastante estereotipados.

Shortbus es una película fiel a su tiempo, primero por la tendencia al cine indie (genero de cine independiente que tiene abundante banda sonora con la intención de enfatizar el estado de ánimo de los personajes; los temas tratados son los conflictos de una juventud norteamericana inconforme), pero sobre todo por el collage de personajes, bastante influenciado por el llamado cine posmoderno (parodia sustituida por el pastiche; Pulp Fiction es quizás el mejor ejemplo) (Caracterizado por el puzzle de historias entrelazadas

Sin embargo Shortbus no deja de ser una película norteamericana interesante, primero porque no sigue la fórmula del cine gringo: chico conoce chica, chica se enamora… sino mas bien –y he ahí su característica posmoderna- las historias en el cine de Cameron Mitchell se arman a modo de rompecabezas donde varias historias o solo una (como en su opera prima) están narradas con una complejidad argumental, algo pretenciosa al intentar retratar el estado del sexo en el siglo XXI –cosa que no logra-.

Shortbus, sobre todo por el trabajo de Cameron Mitchell es una interesante película comenzando por la dirección de actores, la puesta en escena pero sobre todo por el ritmo que mantiene toda la película, la dinámica en la narración –que en ningún momento se hace tediosa ni aburrida- se dice que el rodaje y la posproducción de la película duraron dos años, que valieron la pena si algo he de recordar de esta película es el inicio  en el que se muestra a la ciudad de Nueva York en animación como una maqueta y el vigoroso final en el cual toda la ciudad -maqueta- se apaga y se enciende repentinamente porque Sofía (personaje principal) tiene un orgasmo que contagia a toda la ciudad encendiéndola. Creo que finalmente me quedo con la recomendación de Bronte al decir que Shortbus es una película recomendada para contorsionistas.

A modo de pos data la película la puedes encontrar en el en Quinto Centenario, también en la Calle Comercio esquina plaza Murillo, o comunicándote con nosotros que te pasaremos nuestra copia pirata.

Puntuacion:

6/10

BIRD

BIRD (1988)

En el cine existen varias películas que trataron sobre música, retratando cantantes –reales y ficticios-, u otros artistas, en todos los géneros, rock, pop, clásica, folclórica, etc., recordemos la reciente película sobre Violeta Parra, o sobre Edith Piaf, Kurt Cobain, Amadeus, Farinelli, Szpilman entre otros. Hoy recordamos una película sobre un musico, de tipo biopic: Bird de Clint Eastwood.
Si a Norteamérica se le puede atribuir ser el lugar de origen y nacimiento de algo esto sin duda es el blues, el jazz, el cine western, el rock and roll, etc. Esto se lo menciona por la curiosa unión que hubo entre dos de estos elementos: en primer lugar Clint Eastwood (actor fetiche del cine western); y el jazz. 

Pero vamos por partes Bird es una película norteamericana del tipo biopic, que trata sobre uno de los máximos exponentes del jazz: Charlie Parker. La película fue dirigida por un amante de esta música Clint Eastwood, quien toca el piano, canta y tiene algunas composiciones en su haber. Eastwood quienes no lo recuerden es actor, director, músico y productor. Como director es considerado el último clásico del cine, merecedor de varios premios, en los cuales se puede incluir un par de oscares, un homenaje en el festival de Cannes, entre otros reconocimientos. Atrás quedaron sus papeles como actor en el lejano oeste, Eastwood lleva más de 30 años dirigiendo películas, muchas de ellas consideradas obras del cine. Es ahí donde podemos poner a Bird. Bird es el apodo que tenia Charlie Parker, importante saxofonista, hay quienes lo consideran el mejor músico de jazz. Sin embargo Parker era una mezcla entre genialidad y conflicto ya que en su vida las composiciones con altas pretensiones artísticas iban de la mano a sus adicciones. 

Eastwood quien es un melómano confeso pero además un ferviente admirador de Charlie Parker, emprendió la tarea de hacer una biografía fiel a su ídolo, con una meticulosa recolección de datos Eastwood iba reuniendo testimonios de primera mano para ir armando la película, entrevistando a la viuda de Parker, amigos, colegas y admiradores. De esta forma es que se logro armar Bird.

La película retrata los últimos años de vida de este músico, sus oscilaciones como músico, y su adicción a las drogas y al alcohol. Sin embargo Bird no es una película “de” jazz o “sobre” jazz, bird es puro jazz, comencemos por el arriesgado guion que en los primeros minutos parece exhibir el contenido general y el trama de toda la película. Charlie Parker en una calamitosa etapa -final- de su vida, su adicción a la heroína lo ha llevado a entrar y salir de hospitales psiquiátricos. En ese momento la película hace un inteligente giro en el argumento y mediante flash backs (imágenes, secuencias del pasado), recordamos años gloriosos del músico, somos testigos del proceso de enamoramiento de Parker, y a la vez nos vamos encantando y conmoviendo con él. Con la magistral participación de Forest Whitaker interpretando al músico, tanto en sus mejores tiempos como en los finales. Actuación que le izo merecedor del premio a mejor actor en el festival de Cannes. 

La participación de Whitaker, mucho actor, en la película es un tema aparte, desde su incorporación siendo aun un actor desconocido Eastwood lo selecciono por las características y físicas y pasionales que este actor tiene. Cosa que el film de Eastwood supo mostrar, todo aquello, con creces. Regularmente se corre el riesgo en el momento de realizar un cine biopic de hacer una caricatura del personaje, no plasmándolo bien, y he ahí la clave, atrincherarse en algún bando ya sea para mostrar a un personaje desde la gloria o desde la infamia, es decir plasmar al personaje a partir de sus defectos o de sus cualidades, pocos son los que lograron hacer un equilibrio de tipo trapecista entre ambos bandos, sacando resultados admirables, Amadews película de Milos Forman, es un claro ejemplo de un perfecto equilibrio a la hora de retratar a un personaje real, Capote película con la actuación de Philip Seymour Hoffman, es otro ejemplo, las biopics de Charles Ray, Ion Curtis son otros, sin embargo otros realizadores con la intención de glorificar a un determinado personaje real terminan como ya se dijo haciendo una caricatura del mismo, tal es el caso del Kurt Cobain de Gus Van Sant, el Morrison de Oliver Stone, y así hay varios ejemplos. 

Bird no se sitúa en ninguna posición ya sea a favor o en contra de Parker, es decir no se atrinchera con la intención de mostrar ni a un genio de la música –aunque si lo era-, ni de mostrar a un adicto y maniático músico autodestructivo –cosa que también lo era-, sino por el contrario y ahí reside según algunos la debilidad del film, aunque para mí es un logro el plasmar a Parker en una película biopic como un personaje demasiado humano. He ahí la grandeza de esta gran película.

Puntuación:

8/10

TRAINSPOTTING

TRAINSPOTTING (1996)

Direccion: Danny Boyle 

 “ Escoge una vida, escoge un futuro, escoge un trabajo, escoge una carrera, escoge una familia, escoge una jodida pantalla de televisión, escoge un lavaplatos, un coche, un reproductor de música… escoge la buena salud y un colesterol bajo, escoge una hipoteca a plazo fijo, escoge a tus amigos, escoge comenzar un hogar, escoge un traje de tres piezas comprado a cuotas y pregúntate a ti mismo quién coño eres un domingo por la mañana, escoge estar sentado en el sofá viendo programas de televisión idiotizantes mientras te hartas de comida basura, escoge podrirte en una vida miserable y llena de vergüenza viendo crecer a esos malcriados que has creado para reemplazarte… escoge un futuro, una vida… ¿Porqué querría yo hacer algo así?... Yo escojo no escoger la vida, yo escoge algo diferente…” Este es el relato en off de los primeros 2 minutos de una de las mejores películas inglesas: Trainspoting, de Danny Boyd, considerada una de las 10 mejores películas del Reino Unido, hoy vamos a desempolvar un poco esta película de los noventa, en su estreno alguien la llamo “la naranja mecaniza de los 90’”, esta referencia nos indica la relación, o semejanza con la naranja mecaniza de Kubrick, claro está ambas películas son diferentes, en tiempo, estructura, genero y demas pero ambas causaron cierta polémica el momento de su estreno, ambas fueon consideradas con los años películas de culto, y ambas retratan un lado denso y pocas veces sugerible mundo. 

Sería injusto no mencionar además la exquisita banda sonora de la película llena de scores de lo mas surtido en cuanto a exigencias, desde Iggi Pop, Lou Reed, Pulp, Elastica, Underworld entre otros. 

Transnpotting de Danny Boyle es la adaptación a una novela inglesa del mismo nombre, tal como lo relata Irving Welsh -autor-, la historia se desarrolla en Edimburgo, el lugar que nuestros padres nunca hubieran soñado para nosotros…, conocida como la ciudad del sida, la heroína, el paro y la delincuencia europea. Esta ciudad esta lejos de formar parte de una tarjeta que promocione la belleza europea. 

La película al igual que la novela y de manera fiel trata sobre un grupo de jóvenes escoceses, apartados de toda racionalidad adulta intentando mantenerse siempre en la acera opuesta al tedio, la rutina, el trabajo y demas cliches de la buena conducta. Y cual es la finalidad de escoger un futuro o la vida misma cuando se tiene la heroína, el alcohol y demas ingredientes que nos apartan o al menos fingen hacerlo. De esta forma y perfectamente retratados los integrantes de este grupo encabezado por Marc Renton (Ewan Mc Gregor), estos son el reflejo de una generación –en apariencia- transgresora del sistema hacia la cual no sienten ninguna simpatía ni se sienten identificados ni parte de ella. Si el sistema –el estado- existe eso está muy lejos, ellos no son parte de ello. De esta forma Marc Renton se convierte en un (anti)héroe de nuestro tiempo, o al menos de los años 90, un reflejo y un héroe de la llamada generación X. Este personaje y sus amigos, (3 adictos a la heroína, uno al sexo y el ultimo al alcohol y las peleas), desarrollan su cruzada en un ambiente frio, húmedo, y triste, en una Europa víctima del paro y el sistema, quienes vieron la película recordaran la bellísima secuencia casi surrealista en la que Marc Renton se introduce al inodoro en busca de un remedio a su adicción a la heroína, metafóricamente el personaje nada en un océano y de esta forma se introduce en un mundo fuera de las drogas pero como tal, fuera del sueño en el que antes se encontraba, es decir desde ese momento se da cuenta de lo que le rodea un mundo en el que no quieres estar. 

Casi de forma imperceptible, pero si fuerte la película de Boyle retrata una Europa de atrás, una Europa de sombras, que no está en las películas, ni los cuadros o fotos de las embajadas, ni guías turísticas, sino una Europa con problemas que emana intolerancia, y tolerancia al mismo tiempo, recordemos que en la película cuando Marc Renton es arrestado el juez ordena enfrentar su adicción a la heroína con placebos, y otras drogas –menos fuertes-, las cuales eran suministradas por el mismo estado, de la misma forma las referencias en cuanto a la intolerancia a los migrantes, sobre todo el momento de culparlos por los problemas, pero también retrata la situación y el sentimiento de los jóvenes escoceses ante Inglaterra, en una relación de colon colonizado. 

De forma directa tanto la novela como la adaptación de Dany Boyle, muestran el bifurcado camino frente al cual nos encontramos, la utilización de placebos los cuales nos darían una vida menos dolorosa o formar parte de la masa, con un empleo, una hipoteca, hijos, una lavadora, comprando, comprando…, comiendo hamburguesas, con problemas de colesterol y de deudas. Y que mejor momento para recordar esta película, cuando la Europa desarrollada se enfrenta a una de sus más grandes problemas, cuando Edimburgo se convierte en Grecia, y está en todos los demás.

Puntuación: 

10/10

LA CHICA DEL DRAGÓN TATUADO (2011)

Dirección: David Fincher

Fincher vuelve a aparecer a un ritmo consecutivo y es que este aclamado director va produciendo a un ritmo de una película por año, casi todas ellas logran atraer al público y a la crítica especializada, recordemos sus últimas películas: El curioso caso de Benjamin Button (2009), Red social (2010), y la chica del dragón tatuado (2011), además este director es responsable de haber realizado una película de culto como ser el club de la pelea (1999) y the game (1997), fiml en la que fincher propone un guion original, demasiado violento para aquellos años y proponiendo el tema que posteriormente seria sobre utilizado por otras películas: la personalidad múltiple. Y es que en sus últimas películas este director se limito a adaptar sus filmes a otras películas (remakes) y novelas escritas. El misterioso caso de benjamín Button es un claro ejemplo de esto, red social es otro, pero en esta ultima película “la chica del dragón tatuado”, Fincher adapto una trilogía europea al cine de Hollywood.

La chica del dragón tatuado nominada a 6 premios Oscar, ganadora de solo 1: mejor montaje, en mi opinión debía haber sido acreedora de mejor fotografía también, en lugar de la sobrevalorada El artista. También Ronney Mara quien ocupa el papel estelar fue nominada.

Generalmente los premios Oscar mantienen cierta estética a al hora de premiar, el canon de los films no debe ser transgresor –aunque existieron excepciones- , recordemos que los premios Oscar no son una festival de cine sino son como el nombre lo dice “premios”, los cuales no califican la parte estética ni artística sino por el contrario laurean a las películas que son parte de las grandes productoras.

La chica del dragón tatuado, es una película muy oscura primero a partir del hecho de ser un remake, cosa que no interesa mucho, pero sobre todo es una película oscura –y he ahí la principal razón para ser una olvidada de los Oscar-, por tener una estética violenta  y densa, fuera del puritanismo Hollywoodense,  cargada de torturas, violaciones, felaciones y asesinatos.

A modo de sinopsis la película trata sobre un periodista que se encuentra ante un juicio por difamación y la banca rota como consecuencia del mismo. El cual es contratado por una misteriosa familia para trasladarse a una isla de Suecia, para escribir las memorias del patriarca d ela familia pero a la vez descubrir un misteriosa caso de asesinato de hace más de 40 años de añejamiento., junto a Lisbeth una bizarra hacker  va desentrañando los secretos de la familia, y descubre que el supuesto acecino aun puede encontrarse cerca.

La película esta armada bajo la estética de Fincher, a modo de videoclip la película se presenta y desenvuelve de manera pareja y funcional entre la belleza visual y la majestuosa banda sonora. Armados con un montaje bastante respetable, digno de ser merecedor del premio al mejor montaje.  Pero vayamos por partes la película de Fincher es un remake de un trilogía sueca, “los hombres que no amaban a las mujeres y millenium”, de Larsson y Oplev, ambas basadas en un bestseller, de la anterior década. 

Fincher es quizás junto a Cristopher Nolan uno de los realizadores comerciales y dependientes de las mayors mas respetables del cine norteamericano, por lo tanto es uno de los directores mas rentables. Con un estética, ritmo, y propuesta bastante imitada por otros realizadores.

A pesar de que el cine de Fincher es un cine muy oscuro, bastante lucido e inteligente, y hasta cierto punto iconoclasta, y radical. no por ello deja de ser parte de la industria hollywoodense, es decir es un director bastante rentable y por ello mismo no logra ser un director transgresor.

Puntuacion:

7/10



500 DÍAS CON SUMMER

500 DÍAS CON SUMMER (2009)

Película independiente norteamericana, que al mercado hispano llego bajo el titulo de 500 días con ella, 500 días con summer es una inteligente comedia romántica, comenzando con el titulo, 500 dias con summer, summer en ingles significa verano, he ahí la relación en palabras de esta bella película.

Opera prima del director norteamericano: Marc Webb, la película trata sobre el nacimiento, desarrollo y muerte de una relación amorosa, pero es importante aclarar que esta no es una película de amor, tal como lo menciona la voz en off que nos introduce en la historia, a modo de presentación aclara:

“la siguiente historia es ficción cualquier semejanza con personas vivas o muertas es mera coincidencia, especialmente tu Jenny Bechman, perra…”

Inmediatamente uno se pregunta quien es Jenny Beckman, será algún personaje de la película?, y mientras esta avanza uno se da cuenta que no existe tal personaje, entonces la explicación que uno puede darse es ¿acaso la tal Jenny Beckman es real, es ella quien inspiro la historia o el papel de Summer?

La historia de 500 días con summer es simple e incluso corta lo cual no significa que pueda ser sencilla de desarrollar sobre todo si mencionamos el ingenioso montaje de la película, pero vamos por partes, la película cuanta sobre Tomm quien sería El y Summer quien seria ELLA,  una joven pareja, con sentimientos completamente deferentes, El se enamora de ella pero ella no, por qué? Ella sencillamente no cree en el amor, ni en las relaciones serias, lo cual es usado como escusa para no formalizar ningún tipo de relación el por el contrario se enamora completamente de ella, pues el si cree en el amor.

Inmediatamente a uno le surge la interrogante planteado por ella (summer), porque complicarse con el amor, las relaciones siempre terminan mal. De esta forma y de manera inteligente la película va desarrollándose a modo de rompecabezas, a lo largo de esos 500 días en los que El y ELLA, o como la propio título lo indica 500 con ella (Summer), en  los cuales el se conoció, y se enamoro de ella. Armado forma refrescante la película comienza con el día 300, luego va al día 1, para luego avanzar al día 65, y así sucesivamente y sin un orden aparente más que el que el director y guionista vieron adecuado para sumergirnos en esta comedia romántica.

500 días con Sumer es parte del llamado cine indie, genero casi reciente con interesantes propuestas de cine independiente, entre los mejore ejemplos de este genero podemos mencionar a Litle miss Sunshine o pequeña señorita Sunshine, Juno, y la reciente 50/50. Las características de este género son los temas que giran alrededor de los problemas y conflictos de una clase media norteamericana, problemas que van mas allá de los económicos o sociales, sin la arrogancia de criticar o de siquiera retratar el stato quo o sueño americano, el género indie se encarga de retratar los problemas sentimentales, de una juventud inconformista, bastante posmoderna y parte de la masa. Por favor no confundir al cine indie con otras películas sobre adolecentes, lujuriosos y muy americanizados, el género indie es uno de los géneros más inteligentes y de propuestas narrativas más interesantes del cine independiente norteamericano, otra característica sine qua non de este género es la banda sonora armada a lo largo del metraje con una docena de scores, en su mayoría canciones del genero rock alternativo (casi siempre de bandas gringas, aunque también inglesas e incluso francesas).

Aun así y a pesar de que tal como lo muestra la película, “las relaciones terminan siempre mal”, de manera asombrosa 500 dias con summer finaliza con las típicas contradicciones de quien exclama no creer en el amor, es decir que summer, la chica que no quiere ser novia de nadie, ni amar a nadie, termina casada con alguien, por otro lado EL, intentando sobrellevar este desastre sentimental, renunciando a su trabajo, volviendo a sus antiguos sueños, y buscando un nuevo trabajo. 

Pero no es ahí donde la película,, en los últimos 5 minutos El va a una entrevista de trabajo, ahí se conoce con otra chica, ambos sienten una ligera atracción y el momento en el cual el le pregunta su nombre a ella, ella contesta “autum”, que en ingles significa otoño, de esta forma el espectacular guion de 500 días con Summer, toma un aliento de frescura y nos plantea una renovación de sentimientos, quizás Summer ella tenido razón “las relaciones son complicadas y siempre terminan mal”, pero -aparentemente- son necesarias.
                                                                  
                                                                    PUNTUACION
                                                                             7.5/10

Beginners

BEGINNERS (2011)

Dirección: Mike Mills

Begineers es una película norteamericana estrenada al año 2011, cuenta con las interpretaciones de Ewan Mc Gregor, Melanie Laurente y Cristopher Plummer (quien obtuvo el premio Oscar 2012 por su actuación en la película), el film lleva el título de “principiantes”, en toda Latinoamérica.

A modo de sinopsis podemos decir que Oliver-actor principal- interpretado por Ewan Mc Gregor es una persona que atraviesa la etapa “madura” cercano a los cuarenta años, con un antecedente e historial amoroso y personal poco alentador, el cual a partir de la muerte de su madre recibe una confesión por parte de su padre, que después de 38 años de casado es gay y además tiene cáncer. A partir de aquel momento Oliver replantea su vida.

 

Beginners es la última película de Mike Millers la cual hace una exploración sobre los terrenos estables o pantanosos del amor  y de todas las complicaciones que esta puede llegar a tener, y frente a la cual no importa  la cantidad de experiencia que una persona pueda llegar a acumular o tener al final todos resultamos ser unos principiantes el momento de enamorarnos. El argumento de la película es simple pero no por ello carente de inteligencia o recursos, sino todo lo contrario esta película cuanta con un inteligente argumento, que se va desarrollando a lo largo de la película de manera agradable y honrada. Ya que nos muestra un serio recorrido por el conflicto amoroso por el cual todos alguna vez atravesamos.

Oliver (Mc Gregor), lleva detrás suyo un historial emocional y amoroso con finales poco atractivos, varias relaciones desastrosas y una distancia respecto a su padre abismal. Es esta misma relación con sus padres la principal causa de sus fracasos emocionales, ya que sus padres a pesar de amor el cual afirmaban tenerse el uno con el otro nunca llegaron a complementarse o a sentirse plenamente felices, la razón la homosexualidad del padre el cual a lo largo de 38 años de matrimonio trato de ocultar. A partir de la confesión del padre la relación entre hijo y padre sufre un giro de 180°, el acercamiento que nunca llegaron a tener se produce. Lastimosamente esto tiene poco tiempo de duración, el padre es diagnosticado con cáncer terminal, los últimos cuatro años de vida del padre son una aventura emocional y amorosa fuera de miedo o fobia, el padre vive su sexualidad abiertamente nuevos amigos, nuevas relaciones, nuevas actividades incluso un nuevo novio. Hall (padre) muere después de cuatro años, y Oliver cae en una depresión  lo único que lo une a su padre son recuerdos algunos pocos de su infancia pero cientos a partir de su confesión. Un día Oliver conoce a Anna, el es una vez más un principiante ante el amor a pesar de toda sus experiencias pasadas, , pero a la vez esta quizás pueda ser la definitiva.

La película tiene dos vertientes argumentales de un lado se encuentra el lazo y la relación entre padre – hijo, y por otro la relación a partir de las enseñanzas y experiencias que su padre le lego a Oliver para que este se enamore una vez más. Es decir el enamoramiento entre Oliver y Anna

Técnicamente la película mantiene un ritmo dramático, a pesar de tratarse de una comedia romántica, esto es apoyado por la banda sonora una exquisita selección de música melodiosa. La utilización de flashbaks es un recurso a lo largo de toda la película, las cuales nos llevan en todo momento a recuerdos a través de los ojos de Cristipher. En pocas palabras es una comedia con tintes dramáticos inteligente y madura, que se vale de recuerdos, relatos en off, dibujos, y colores para mostrarnos la necesidad que tiene la vida de tener tanto momentos felices como dolorosos, con la única finalidad de que estos enseñen algo y sean enriquecedores.  

Estéticamente Beguiners es una consecuencia a partir de otros referentes como ser la estética de los años 60 o 70, la nouvegue vogue esto por los recursos que tiene (historia, relato y música).

Beginners me resulta ser una bella película en primer lugar por la historia simple sin artificios pero a la vez compleja y llena de enseñanzas. En segundo lugar por la combinación artística de los personajes, interpretados magistralmente por esta exquisita combinación entre Mc Gregor, Melanie Laurent y Cristopher Plummer, en tercer lugar la utilización de varios recursos técnicos utilizados brillantemente (música, voz en off, flascbacks, y el ritmo de película) y finalmente la por la película en si un film completamente intimista.

Puntuacion

8/10