RADIOCINEMA

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El Arbol de la Vida

El Árbol de la Vida (The Tree of Life, 2011)

Guion y Direccion: Terrence Malick

Pais: Estados Unidos

Fotografia: Emmanuel Lubezki

Reparto: Brad Pitt, Sean Penn, Jessica Chastain 

Musica: Alexandre Desplat 

Esta es la última película del aclamado y misteriosos cineasta Terrence Malick, el cual lleva consigo y con sus películas una especie de aureola de misterio y belleza. Para empezar Malick, es conocido por su película La Delgada Línea Roja (The Thin Red Line, 1998), aunque como director lleva ya algunas películas no las suficientes como quisiéramos algunos pero si unas pocas, exquisitas en cuanto a la imagen y de ritmo lento –me refiero a las primeras-, En sus películas se tiene la impresión de encontrarse en un sueño, por ejemplo en Días del Cielo (Days of Heaven, 1978), película en la que conto con Nestor Almedros como director de fotografía, en esta película se aprecian paisajes rurales, se dice que casi toda la película fue rodada en lo que los gringos llaman “hour magic”, o la hora mágica, tiempo que estaría comprendido entre las 6 a 7 de la mañana –depende de la estación-  y entre 6 a 7 de la tarde, es decir el momento en que el sol está a punto de salir o de ocultarse (diana o alba), esta hora también era la preferida de algunos pintores, por la tonalidad que tiene, especialmente fuera de las urbes, con colores densos y cálidos que zigzagean entre el rojo, naranja y amarillo; colores y un ambiente que parecen de sueño y con un cierto grado de magia. Esta película cuenta la historia de Bill y Abby, interpretados por Richard Gere, y Brook Adams, los cuales son una pareja que intenta salir delante de manera casi siempre errante en trabajos esporádicos, hasta que llega a  una hacienda en Texas donde el terrateniente pone sus ojos en Abby. Las secuencias más hermosas de la película –según yo- son las más terribles o mas dramáticas, como ser la plaga de langostas en los sembradíos o el incendio en los mismos.

(“El sol parece fantasmal cuando hay niebla en el río y no hay ruido. Nunca me había dado cuenta. Vimos árboles, con sus hojas al viento. Parecían sombras que venían a por ti”). 

Malick rodo otras películas como ser Malas Tierras (Badlands, 1973), o El Nuevo Mundo (The New World, 2005), pero como se dijo este director rodo solo algunas películas, incluso se mantuvo alejado del cine por 20 años, pero la película que más se conoce de él; es La Delgada Línea Roja (The Thin Red Line, 1998), esto porque es una película bélica, y se la exhibió casi a la par de Rescatando al soldado Ryan (Steven Spielberg, 1998), aunque la película de Malick es completamente distinta a la Spielberg, en la de esta ultimo a pesar de ser –según yo- una bella película, en cuanto a imagen, sonido y historia; se encuentra presente de manera casi obsesiva un patriotismo yanqui, que incluso llega a autojustificar su participación en la guerra. En la película de Malick por el contrario, esto está ausente, a pesar de tratarse de la misma guerra, aunque en momentos distintos (en rescatando al soldado Ryan la guerra es entre los Estados Unidos y Alemania; y en la delgada línea roja, el conflicto es entre Japon y los Estados Unidos),  En esta película, los personajes tienen un perfil psicológico casi complejo, tenemos a un Jim Cavieziel como un soldado malcriado y egoísta; y a un Sean Penn como un soldado casi nihilista, y pesimista.

(¿Por qué esta guerra en el corazón de la naturaleza? ¿Por qué compite la naturaleza consigo misma? ¿Se enfrentan la tierra y el mar? ¿Existe tal poder de venganza en la naturaleza? ¿No un solo poder, sino dos?                 Quizá todos los hombres tengan una sola alma, de la cual todos formamos parte. Aspectos del mismo hombre. Un ser superior.)

Malick como ya se menciono lleva consigo una especie de aureola de misterio, y es que este director no permite ser registrado ni en video ni en fotografía, los únicos retratos que se tiene de él, tienen más de 2 décadas, de la misma forma no da entrevistas, solo se sabe de él que vive apartado en algún lugar de los Estados Unidos, también se sabe que es algo gordito y que lleva barba, eso es casi lo único que se sabe de él ya que ni siquiera se sabe con certeza donde nació y en qué fecha, lo que sí se sabe es que estudio filosofía, que cuando era joven tuvo un problema familiar de grueso calibre como ser el suicidio de su hermano; he ahí el meollo de su última película.

“El Árbol de la Vida (The Tree of Life)” hay quienes sostienen que la película es autobiográfica, y es que la película armada de manera magistralmente paralela cuenta la historia de una familia de clase media norteamericana de los años cincuenta, una familia casi típica padre; madre; dos hijos. El padre interpretado por Brad Pitt; tiene un empleo promedio el cual no logra llenarlo de satisfacciones, lo cual es expresado en su rudeza, y su relación con la familia; la madre es una ama de casa una persona frágil que logra transmitir tranquilidad y confianza, es ella la que mantiene una buena relación con sus hijos, en una secuencia en la que el padre viaja, y se quedan solo los dos niños y su madre se ve una conducta casi transgresora y juguetona todos corriendo y saltando, celebrando de alguna forma la ausencia de autoridad. Los dos niños cómplices fieles, se entienden el uno al otro, el mayor poco a poco desarrolla ese conflicto generacional –por el cual todos atravesamos-hacia su padre y la autoridad que este infringe, finalmente la familia sufre la muerte de este.

Es importante mencionar la repercusión que tuvo la película, varios ensayos, comentarios e incluso análisis sobre el árbol de la vida, y es que esta película solo tiene dos opciones, o la amas o la odias; se hablo mucho sobre el público que acude a ver la película; algunos acuden ansiosos de ver la última película de Terrence Malick, para estos estoy casi seguro que salieron satisfechos e incluso me atrevo a decir que rebaso sus expectativas, pero hay otro publico el cual acudió atraído por la última película de Brad Pitt, estoy seguro que a muchos les gusto, pero también estoy seguro que muchos odiaron la película. En algunos cines de Europa, se permitió cambiar de sala y ver otra película –solo dentro de la primera media hora- si es que la película te aburría o no te gustaba, Se relata que en el festival de cine de Cannes varias personas abandonaron la sala en la mitad de la película. Y es que The Tree of Life, es una película densa, casi sinfónica, armada de manera exquisita pero también atrevida, como ya se dijo cuenta la historia de una familia norteamericana pero al mismo tiempo relata la creación de la vida y del universo. Algunos dijeron que la película casi obliga desde el primer segundo a dejar de lado el rol de mero espectador y ver en lugar de observar. Se dijo que la película es abstracta, que es filosófica, yo diría que es un poco de todo, al igual que otras películas de Malick, el árbol de la vida es un delirio visual y sonoro, el momento de verlo te das cuenta que estas frente a una película de la cual te recordaras (te guste o no), Quizás las imágenes y el sonido más bello sean las de la creación de la vida y el universo, aunque no por ello se puede dejar de lado las demás, Emmanuel Lubezki, quien fue el director de fotografía, muestra imágenes deliciosas, imágenes que no se vieron antes, (quizás lo más cercano haya sido con Stanley Kubrick, en Odisea 2001), el manejo de animación y demás efectos para recrear el nacimiento del universo y posteriormente la vida en el planeta, son magistrales. Se dice que la edición de la película duro tres años,  el resultado: imágenes bestiales. Pero pongamos un alto a la imagen que a pesar de haberme impactado personalmente, no es lo único que tiene una película, la historia en apariencia es simple, quizás se la pueda resumir diciendo; que cuenta la historia de una familia, en la cual uno de sus hijos pierde la vida, pero esto sería una forma demasiado simplona de hacerlo. La película tiene sin duda tintes aotobiograficos;  el hermano de Terrence Malick se suicidio cuando este era aun un niño, por no poder satisfacerse a sí mismo con sus dotes para la guitarra, el personaje de la película corre similar destino. Es quizás eta relación de Malick con la película la que la vuelve tan intimista no solo con el director sino también con el espectador.

La película es narrada a partir del hermano menor, ya adulto encarnada por Sean Penn, el mismo en constantes divagaciones recuerda a su hermano y a su familia. Se dice que Penn no estuvo conforme con el producto final de la película, por la excesiva supresión que se hizo de su personaje en el montaje. Si bien la participación de Penn en la película es reducida, esto ayuda mejor al personaje, que ayudado por un escaso dialogo, logra estructurar la historia.

La puntuación a la película es:

9/10

Critica a la pelicula I'm not there

Im not There

Dirigido por Todd Haynes,

Escrita por Todd Haynes y Oren Moverman

Im not there es una película escrita y dirigida por Todd Haynes, Haynes es conocido por su película Velvet Goldmine (1998), con Evan Mc Gregor, como actor principal, que personifica a una estrella musical el cual es una mezcla bizarra entre Iggi Pop, David Bowe y incluso Kurt Cobain. donde recrea el mundo del glam rock.

Siguiendo la misma lógica que esta película Haynes realiza la película Im not There (2007) donde, nos relata desde su punto de vista la vida de Bob Dylan.  

 Ya la revista especializada en música: “Rolling Stone”, nombro a Bob Dylan el artista más influyente de la historia –contemporanea-, su canción “like the rolling Stone”, fue posesionada en el puesto número 1 de la lista, “las mejores canciones de todos los tiempos”, superando incluso a los Beatles; es decir Bob Dylan como bien se muestra en la película de Haynes, es un músico, un profeta, un guru, un mito y un fraude. Quizás es importante mencionar que desde varios años Dylan es candidato importante al premio nobel en literatura, en las universidades francesas se organizan foros y cursos analizando la música y poesía de Dylan y la influencia que este tiene en la cultura contemporánea.

Al igual que lo muestra Haynes, Dylan no es un solo personaje, sino es varios Dylans a la vez; Y es que a largo de su vida Bob Dylan se reinvento a sí mismo una y otra vez, es decir es un artista compuesto por varios alter egos. Se dice que Jhon Lennon tuvo una conversación con Dylan , -el Dylan de los años 60, político, militante, folk y acústico- en la conversación Dylan reprochaba  a Lennon por componer canciones tan livianas, canciones que no dicen ni transmiten nada, a partir de ahí Jhon Lennon, hizo canciones con mayor criterio y crítica social, pero Dylan también cambio, comenzó a experimentar con la guitarra eléctrica y con el rock, producto de esto, salen los exquisitos discos: “Highway 61 Revisited” y “Blonde on Blonde”.

De la misma forma Todd Haynes muestra en una especie de rompecabezas, la vida de Dylan a partir de 6 actores diferentes, cada uno personificando al mismo Bob Dylan, en una etapa importante y diferente de su vida. Cada uno con un nombre diferente. Primero con un niño de color que personifica a Dylan de niño, llamado Woody Guthrie con la actuacion de Marcus Carl Franklin, algunos reprochan la sobreactuación de Marcus, pero el hecho de personificar a Dylan de niño, un Dylan vagabundo, forastero, de color y irreverente fue digno de ser tema de conversación desde el nombre del niño: “Woody Guthrie”, y es que Woody Guthrie es el nombre del cantante de música folk protesta de los años 50, el cual vivio recorriendo los caminos como, polizonte y cantautor de canciones con una fuerte contenido social, de hecho el mismo Dylan era admirador de Guthrie, de ahí lo interesante de poner el nombre de Woody Guthrie, a Dylan de niño.

Luego es Arthur interpretado por Ben Wishaw, personificando a un Dylan joven, tímido, pero subversivo, luego Jack Interpretado por Christian Bale en una etapa de reconocimiento como cantante folk, es decir interpretando a Dylan cuando comienza a ser famoso; luego Robbie interpretado por el fallecido Heath Ledger, esta es la parte romantica de la película ya que se relata la relación que tuvo Bob Dylan con Claire (Charlotte Gainsbourg), relación que dura 10 años, largos años de romance pero también de traición, aca vemos a un Dylan con mucho ego, que comienza a relacionarse con el mundo contracultural de los años 60, y paralelo a la guerra de Vietnam, posteriormente Jude interpretado por Cate Blanchett, papel que le dio merecidamente un globo de oro al igual que el premio en el festival de Venecia y Toronto, y una nominación a los Oscar, y es que Blanchett además de dar una actuación exquisita, interpreta a un Dylan transgresor no solo con lo social y político sino también con su música; y es que Todd Haynes, recrea el famoso incidente en el festival folk de Newport, en el cual como el nombre lo indica solo asisten ahí cantantes y publico que gusta de la música folk, en su última presentación en el festival Bob Dylan decide cambiar de la música folk al rock, de la guitarra acústica a la eléctrica causando la indignación del público, es a partir de ahí que Dylan se condena a sí mismo a renovarse cada vez, esto es plasmado en la película de manera soberbia, haciendo una alegoría a este incidente con una Cate Blanchett, que sujetando un arma de grueso calibre ametralla contra el publico y contra la música que hasta ese entonces hacia, a partir de ahí vemos a Blanchett como un Dylan algo andrógeno, con esas omnipresentes gafas oscuras, que terminarían de formar la imagen de Dylan tal como lo conocemos ahora, luego es el turno de John interpretado nuevamente por Christian Bale, que encarna a un Dylan dos décadas después, acá vemos a un Dylan cristiano, un Dylan que predica y evangeliza con su música, la cual cambio del rock al góspel, nuevamente Dylan se habría autorenovado; finalmente Richard Gere interpreta a Billy, esta sería la única parte de la película que no coincide con la realidad, ya que vemos a un Dylan apartado del mundo casi forajido y vagabundo, el cual aun lleva consigo su guitarra, donde lleva escrito al igual que Woody (Dylan de niño), “esta es una arma para matar fascistas”. Si bien esta historia que le toco a Richard Gere, está llena de alegorías muy ingeniosas, es la que menos me gusto, me pareció una historia demasiado acomodada y sobreforzada, como si se buscara  por todos los medios tener un final que logre cerrar con la película, y es que esta ultima historia tiene como final a un Dylan forzado al exilio, haciendo clara referencia a los “exilios” del mismo Dylan, y a las constantes autotransformaciones. Finalmente Richard Gere, sube a un vagón de tren como polizonte solamente cargando su guitarra, de esta forma la película termina como comenzó.

A pesar del final, la película es ingeniosa, sobre todo por el rompecabezas de tener a varios Dylans en una determinada etapa de su vida, interpretados por distintos actores; además la experimentación en las imágenes, sobre todo y la que más me gusto es a Cate Blanchett, flotando con una pierna amarrada al techo a manera de globo, impidiendo que este volara, bella escena…

Manteniendo la lógica de la anterior critica, daré una puntuación a Im not there.

8/10

Critica a la pelicula: El Americano de Anton Corbijn

El  americano.

Direccion: Anton Corbijn

Guion:  Rowan Joffe

Fotografia: Marton Ruhe

Basado en la novela de Martin Booth

"A Very Private Gentleman"

Personalmente nunca antes había visto una película de Anton Corbjin, pero intento no perderme una de George Cloney, A este actor y director lo sigo desde que vi la grandiosa película Michael Clayton, una autentica obran del septimo arte, coherente y emocionante a lo largo de casi dos horas, de celuloide. A Anton Corbjin, solo lo conocía por sus video clips, por ejemplo Personal Jesús de Depeche Mode o Heard Shaped Box de Nirvana. Pero una película nunca antes, después de conseguirla en DVD, y verla, me quedo algo corto de palabras, una bella película, con un sobrio trama, una fotografía exquisita. Para quienes no la vieron, la película trata acerca de un asesino profesional, que por distintas razonas decide dejar ese tipo de vida para ello debe cumplir un ultimo trabajo, el cual será en una pequeña ciudad de Italia. Esta demás decir que es ahí donde las cosas se complican.

En primer lugar, las exquisitas secuencias en el George Cloney se encuentran en un auto, sin decir palabra alguna solo meditando. (Ya que su personaje tiene un pasado turbio), nos remontan a los últimos minutos de Michael Clayton, en donde el personaje tiene y transmite una serie de pensamientos y reflexión. Encerrado en un auto en un ambiente claustrofóbico que claramente nos releja su estado de animo, es repetido con total eficiencia en El Americano, la situación en la que el personaje cambia de locación y es trasladado a otro lugar, que no conoce, solo, sentado y meditando. Es una secuencia exquisita.

El momento en el que se filma la película, invierno en un pequeño pueblo de Italia, calles angostas, empedradas y vacías. En realidad todo el pueblo repite estas cualidades, al ser ciudades que rebosan de turistas solo en temporadas cálidas, durante la estación de invierno da la apariencia de ser un pueblo fantasma, variable que ayuda y refuerza de forma dramática la historia.

El personaje, perturbado por su pasado, solo encuentra en el pueblo dos personas que pueden escucharlo y compartir momentos con el, estos personajes son polos opuestos en primer lugar el cura del pueblo, y la meretriz.  George Cloney en su personaje de “el Americano” solo encuentra consuelo en estos dos personajes y al mismo tiempo encuentra absolución por su pasado.

Siempre lo pensé si pudiera lograr que alguna Mayor, me financie, alguno de los -muchos- guiones que tengo guardados, si pudiera conseguir una obscena cantidad de dinero, sin dudarlo contrataría a George Cloney, como actor, claro no solo el –no son de mi total interés las historias con un solo personaje principal, sino por el contrario, varios personajes, mezclados entre buenos y sus némesis – sino también contrataría a Daniel Day Lewis, y Paul Giamatti. Pero claro, aun no resuelvo el conflicto de la historia y mucho menos el financiamiento.

                    Siendo 10 bueno y 1 malo, la pelicula en la escala de Carlos es de 8

live happily ever after?

Creo que me reservo todo comentario...

Fotos de y para verlos en la noche.

Tu que estas ahi, comparte con migo estas fotos -de y para la noche- recuerdalos deja que se posen en tu recuerdo, parafraseando a Benedetty: "recuerdalos mientras estes en el tranvia..."

Contraluz de esquina: varios cables agrupados uno al lado del otro, que ante la primera imprecion transmiten la sensacion de desorden. y quizas eso sea, pero vamos a verlos fuera de ese imperativo categorico del desorden y vamos a observarlos, como un todo coherente.

Avenida 6 de marzo, desde la pasarela. Al principio la intencion era tomar esta foto en la llamada "hora magica" la razon por la que esto no salio asi es culpa mia, aun asi, creo que el resultado fue bueno. tomar una foto antes que se oculte el sol (el sol se meta en su cuna-sabina).

Otra foto desde la avenida 6 de Marzo.

Simple practica de iluminacion.

Esta foto debia ser presentada esta semana en el concurso de genero, "la participacion de la mujer..." mi falta de motivacion y confianza en estos concursos, solo me permitio subirlo al blog.

Todos santos en el cementerio, como acto reciproco esta señora comparte algunos panes a cambio de oraciones y demas indulgencias.